Mirando hacia atrás en la historia occidental, es increíble cuántos tipos de artes han tenido un impacto en la sociedad. Al rastrear las líneas de tiempo de diferentes movimientos artísticos, podemos ver no solo cómo se desarrolló el arte moderno y contemporáneo, sino también cómo el arte reflejó su era.
Por ejemplo, ¿sabía que el impresionismo alguna vez se consideró un movimiento clandestino y controvertido, o que el expresionismo abstracto marcó el cambio en el mundo del arte de París a Nueva York? Como bloques de construcción, estos diferentes tipos de arte, desde el realismo hasta la vulgaridad, están interconectados. A medida que oscila el péndulo creativo, los estilos artísticos suelen ser una reacción o un tributo a sus predecesores. Al mirar hacia atrás en algunos de los movimientos artísticos más importantes de la historia, obtenemos una imagen más clara de cómo artistas famosos como Van Gogh, Picasso y Warhol revolucionaron el mundo del arte.
Estos 20 movimientos de artes visuales son esenciales para comprender los diferentes tipos de arte que han dado forma a la historia moderna.
1, arte renacentista italiano
Miguel Ángel, “David”, 1501-1504
Desde el siglo XIV hasta el XVII, Italia experimentó una era de ilustración sin precedentes. Conocido como el Renacimiento, un término derivado de la palabra italiana Rinascimento o "renacimiento", este período vio un mayor enfoque en temas culturales como el arte y la arquitectura.
Los artistas del Renacimiento italiano, como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael, se inspiraron en el arte clásico de la antigua Roma y Grecia, empleando intereses antiguos como el equilibrio, el naturalismo y la perspectiva. En la Italia del Renacimiento, este enfoque de inspiración antigua se manifestó en retratos humanistas, esculturas anatómicamente correctas y arquitectura armoniosa y simétrica.
Artistas famosos: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano
Obras de arte icónicas: El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli (1486), La última cena de Leonardo da Vinci (1495-1498), Mona Lisa (c.1503-1506), David de Miguel Ángel (1501-1504), La escuela de Atenas de Rafael (1509 - 1511)
2, barroco
El Rapto de Santa Teresa de Bernini. 1647-1652. Iglesia Cornaro, Santa Maria Della Victoria
Al final del Renacimiento, el auge del movimiento barroco fue en Italia. Al igual que el género anterior, el arte barroco mostró un interés artístico por el realismo y la riqueza cromática. Sin embargo, a diferencia del arte y la arquitectura del Renacimiento, las obras barrocas también enfatizaron la extravagancia.
Esta opulencia es evidente en la pintura, la escultura y la arquitectura barrocas. Pintores como Caravaggio aluden al drama a través de su tratamiento de la luz y la representación del movimiento. Escultores como Bernini lograron una sensación de dramatismo a través de siluetas dinámicas y cortinas intrincadas. Arquitectos de toda Europa adornan sus diseños con tallas intrincadas y una variedad de adornos, como columnas imponentes.
Artistas Famosos: Caravaggio, Rembrandt, Bernini
Obras de arte icónicas: La llamada de San Mateo de Caravaggio (1599-1600), La ronda de noche de Rembrandt (1642), El rapto de Santa Teresa de Bernini (1647-1652)
3, rococó
Jean-Honoré Fragonard, El columpio, 1767
Tras la extravagancia y el poder del arte barroco llegó el alegre y frívolo movimiento rococó, que floreció en la Francia del siglo XVIII antes de extenderse a otros países europeos. El término rococó proviene de rocaille, un método de decoración de grutas y fuentes durante el Renacimiento utilizando guijarros, conchas y cemento.
En la década de 1730, la decoración rocaille inspiró las curvas ondulantes en los muebles decorativos y el diseño de interiores. En la pintura, este estilo decorativo se traduce en un amor por las narraciones caprichosas, los colores apagados y las formas fluidas.
Artistas notables: Jean-Honoré Fragonard, Antoine Watteau, François Boucher
Obra icónica: El columpio de Jean-Honoré Fragonard (1767)
4, neoclásico
El juramento de Horatio por Jacques-Louis David 1784–5
El neoclasicismo fue un movimiento artístico del siglo XVIII basado en los ideales artísticos romanos y griegos antiguos. En parte se inspiró en un interés por la simplicidad y la armonía, una reacción negativa a la estética demasiado frívola del estilo decorativo rococó. Los descubrimientos de las ciudades arqueológicas romanas de Pompeya y Herculano (18 y 1738, respectivamente) ayudaron a inspirar el espíritu del movimiento.
Artistas notables: Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Antonio Canova
Obras de arte icónicas: El juramento de Horatio de Jacques-Louis David (1784-1785), La muerte de Sócrates de Jacques-Louis David (1787), La muerte de Marat de Jacques-Louis el Gran David (1793), La dama del palacio de Ingres ( 1814)
5, romanticismo
Delacroix “La libertad guiando al pueblo”
El romanticismo es un movimiento cultural que surgió alrededor de 1780. Antes de su surgimiento, el neoclasicismo dominó el arte europeo del siglo XVIII, tipificado por un enfoque en temas clásicos, un interés en la austeridad estética e ideas consistentes con la Ilustración, un intelectual, filosófico y personal. movimiento literario.
Artistas como Eugène Delacroix encontraron inspiración en su imaginación. Este enfoque introspectivo se ha establecido como una forma de arte que explora principalmente el espíritu.
Artistas notables: Joseph Mallord William Turner, Eugène Delacroix, Theodore Jericho, Francisco Goya
Obras de arte icónicas: Caspar David Friedrich, El vagabundo sobre el mar de niebla (1818), Delacroix, La libertad guiando al pueblo (1830)
6, arte realista
Jean-François Millet, Las espigadoras, 1857
El realismo es una escuela de arte que comenzó en Francia después de la Revolución Francesa en 1848. Un claro rechazo al romanticismo, el estilo predominante, los pintores realistas se centraron en las personas contemporáneas y escenas de la vida cotidiana. Después de siglos de pintores que representaron exóticos míticos y bíblicos, o crearon retratos de nobles y clérigos, lo que parece normal ahora es revolucionario.
Artistas franceses como Gustave Courbet y Honoré Daumier, así como artistas internacionales como James Abbott McNeill Whistler, se centran en todas las clases sociales en su arte, dando por primera vez voz a los miembros más pobres de la sociedad y retratando los problemas sociales causados por la Revolución industrial. La fotografía también tuvo un impacto en este arte, impulsando a los pintores a crear representaciones realistas en competencia con esta nueva tecnología.
Artistas notables: Gustave Courbet, Jean-Baptiste-Camille Corot, Jean-François Miller, James McNeill Whistler
Obras de arte icónicas: Las espigadoras de Jean-François Miller (1857), La tumba de Ornans de Gustave Courbet (1849–1850)
7, impresionismo
Claude Monet, “Nenúfares”, 1906
Puede ser difícil de creer, pero este género de arte ahora muy popular fue una vez un movimiento visual abandonado. Rompiendo con el realismo, los impresionistas se alejaron de las representaciones realistas en favor de pinceladas visibles, colores brillantes con poca mezcla y composiciones abiertas para capturar la emoción de la luz y el movimiento.
El impresionismo comenzó cuando un grupo de artistas franceses rompió con la tradición académica pintando al aire libre, una decisión impactante cuando la mayoría de los paisajistas trabajaban en interiores en sus estudios.
Los grupos originales, incluidos Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frederic Bazille, se formaron en Francia a principios de la década de 1860.
Después de ser rechazados por los salones franceses tradicionales, más artistas se unirán a sus sociedades para mostrar su trabajo, que consideran demasiado controvertido para mostrar. Esta exposición subterránea original tuvo lugar en 1874, lo que los hizo populares entre el público.
Artistas notables: Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Marie Cassat
Obras de arte icónicas: Monet's Impression, Sunrise (1872), Renoir's Ball at the Moulin Rouge (1876), Monet's Water Lilies series (1890-1900)
8, postimpresionismo
Vincent van Gogh, La noche estrellada, 1889
Con origen nuevamente en Francia, este tipo de arte se desarrolló entre 1886 y 1905 como respuesta al movimiento impresionista. Esta vez, los artistas respondieron a la necesidad de representaciones naturalistas de luz y color en el arte impresionista. Al contrario de los estilos anteriores, el posimpresionismo abarca muchos tipos diferentes de arte, desde el puntillismo de Georges Seurat hasta el simbolismo de Paul Gauguin.
Los artistas no están unidos por un solo estilo, sino por incluir elementos abstractos y contenido simbólico en su trabajo. Quizás el pintor postimpresionista más famoso fue Vincent van Gogh, quien utilizó el color y las pinceladas para expresar no la calidad emocional del paisaje, sino sus propias emociones y estado de ánimo.
Artistas notables: Georges Seurat, Vincent van Gogh, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Emilio Bernardo
Obras de arte icónicas: "Tarde de domingo en la isla del Big Bowl" de George Seurat (1884-1886), "Noche estrellada" de Vincent van Gogh (1889), "El Cristo amarillo" de Paul Gauguin (1891)
9, Art Nouveau
Alphonse Mucha, Las cuatro estaciones, 1897
A finales del siglo XIX, un movimiento de "Art Nouveau" se extendió por toda Europa. Caracterizados por un interés en reinterpretar la belleza de la naturaleza con estilo, artistas de todo el continente han adoptado y adaptado este estilo vanguardista. Como resultado, se realizó en submovimientos como la Secesión de Viena en Austria, el Modernismo en España y, de manera más destacada, el Art Nouveau francés.
El estilo Art Nouveau francés fue adoptado por artistas de todos los medios. Además de la pintura y la escultura, también ocupó un lugar destacado en las artes arquitectónicas y decorativas de la época. Sin embargo, quizás su legado más perdurable se encuentre en los carteles, la artesanía comercial que el artista checo Alphonse Mucha ayudó a convertir en una forma de arte moderno.
Artistas notables: Alfonso Mucha, Gustav Klimt
Obras de arte icónicas: Las cuatro estaciones de Alphonse Mucha, El beso de Gustav Klimt
10, cubismo
Pablo Picasso, Damas de Aviñón, 1907
El cubismo fue un estilo de arte verdaderamente revolucionario y uno de los movimientos artísticos más importantes del siglo XX. Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo a principios del siglo XX, y el crítico de arte Louis Vauxcelles acuñó el término en 20 para describir a estos artistas.
A lo largo de las décadas de 1910 y 1920, los dos hombres, junto con otros artistas, usarían formas geométricas para construir representaciones finales. A diferencia de cualquier movimiento artístico anterior, los objetos se analizan y desensamblan, solo para volver a ensamblarlos en formas abstractas.
La reducción de imágenes a las líneas y formas más pequeñas posibles es parte de la búsqueda de simplificación del cubismo. El aspecto minimalista también se coló en la paleta, con el cubismo abandonando las sombras y usando tonos limitados para lograr un aspecto plano.
Esto es marcadamente diferente de la perspectiva del usuario, que ha sido el estándar desde el Renacimiento. El cubismo abrió la puerta a movimientos artísticos posteriores como el surrealismo y el expresionismo abstracto al abandonar el libro de reglas del artista prescrito.
Artistas notables: Picasso, Georges Braque, Juan Gris
Obra icónica: Las damas de Aviñón de Pablo Picasso (1907)
11, futurismo
Giacomo Barra, “La energía de un perro con correa” 1912
Los futuristas de principios del siglo XX estaban fascinados por las nuevas industrias y entusiasmados con los desarrollos futuros, y tenían un lugar en la historia. Estos artistas crecieron en Italia y trabajaron como pintores, escultores, diseñadores gráficos, músicos, arquitectos y diseñadores industriales.
Dado que los primeros manifiestos no abordaban directamente la producción artística del futurismo, tomó un tiempo desarrollar una imagen cohesiva. Un sello distintivo del arte futurista es la representación de la velocidad y el movimiento. En particular, se adhieren al principio de "dinamismo universal", lo que significa que ningún objeto está separado de su fondo o de otro.
Esto se ejemplifica mejor en La vitalidad de un perro con correa de Giacomo Barra, donde la acción de pasear a un perro se muestra a través de la multiplicación de las patas del perro, la correa y las piernas del dueño.
Artistas notables: Giacomo Barra, Umberto Boccioni
Obras de arte icónicas: Giacomo Barra, “El dinamismo de un perro con correa” (1912), “Formas únicas de continuidad espacial” de Umberto Boccioni (1913)
12, dadaísmo
Marcel Duchamp, “Fuente”, 1917
Dada fue un movimiento artístico de vanguardia (a menudo denominado movimiento "anti-arte") del siglo XX, nacido del turbulento panorama social y la agitación de la Primera Guerra Mundial. Comenzó como una fuerte reacción y rebelión contra los horrores de la guerra y la hipocresía y estupidez de la sociedad burguesa que condujo a ella.
Al subvertir todos los aspectos de la civilización occidental (incluido su arte), los ideales de Dada rechazaron toda lógica, razón y orden, todos los cuales han sido considerados la columna vertebral de la evolución y las sociedades avanzadas desde la Era de la Ilustración.
Artistas notables: Marcel Duchamp, Man Ray, Tristan Chara
Obra icónica: la fuente de Marcel Duchamp (1917)
13, Bauhaus
Póster de Joos Schmidt del movimiento Bauhaus, 1923
Desde la pintura y los gráficos hasta la arquitectura y el diseño de interiores, el arte de la Bauhaus dominó muchos canales del arte experimental europeo durante las décadas de 1920 y 1930. Aunque está más estrechamente asociado con Alemania, ha atraído e inspirado a artistas de todos los orígenes.
La Bauhaus, literalmente "construir una casa", tiene sus orígenes en la escuela de arte alemana de principios del siglo XX. Fundada por Walter Gropius, la escuela finalmente se convirtió en su movimiento de arte moderno, caracterizado por su enfoque único de la arquitectura y el diseño.
Artistas notables: Wassily Kandinsky, Paul Klee, Jost Schmidt, Marcel Breuer
Obras de arte icónicas: Yellow Red Blue de Wassily Kandinsky (1925), Wassily Chair de Marcel Breuer (1925)
14, Art Déco
Tamara de Lempicka – Sombrero de Paja © 2019 Tamara Heritage / ADAGP, París / ARS, Nueva York
Art Deco es un movimiento modernista que surgió en Europa en la década de 1920. Si bien muchas estéticas diferentes conforman el movimiento, incluidas diferentes paletas de colores y una gama de materiales, desde ébano y marfil hasta madera y plástico, se caracteriza más comúnmente por formas geométricas aerodinámicas, combinadas con adornos ricos y una decoración lineal en marcado contraste.
Las pinturas creadas en el estilo Art Deco a menudo presentan formas audaces y composiciones ocupadas. Algunos, como el trabajo de la pintora polaca Tamara de Lempicka, representan retratos dinámicos de temas de moda. A menudo, las figuras están vestidas con colores brillantes y ambientadas en lugares metropolitanos abstractos.
Artistas notables: Tamara de Lempicka
Obra icónica: Tamara en un Bugatti verde (1929) de Tamara de Lempicka
15, Surrealismo
La persistencia de la memoria de Salvador Dalí. 1931. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
La definición precisa de surrealismo puede ser difícil de entender, pero está claro que este movimiento que alguna vez fue vanguardia tiene poder de permanencia y sigue siendo uno de los géneros artísticos más accesibles incluso en la actualidad. La imaginación inspirada en el subconsciente es el sello distintivo de este tipo de arte, que comenzó en la década de 1920. El movimiento comenzó cuando un grupo de artistas visuales adoptó la automatización, una técnica que se basa en el subconsciente para la creatividad.
Los surrealistas utilizaron la llamada del artista para liberarse de las limitaciones y obtener una completa libertad creativa, desafiando a menudo las nociones y la realidad en su trabajo. Parte de la razón es la yuxtaposición de un estilo de pintura realista con temas poco convencionales y poco realistas.
Artistas destacados: Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte
Obras de arte icónicas: La traición de las imágenes de René Magritte (1929), La persistencia de la memoria de Salvador Dalí (1931)
16, expresionismo abstracto
“Autumn Rhythm (No. 30)” de Jackson Pollock. 1950. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense que comenzó después de la Segunda Guerra Mundial, su primera explosión a escala internacional. Cimentó la posición de Nueva York como el nuevo centro del mundo del arte, que tradicionalmente ha tenido su sede en París.
El género se desarrolló en las décadas de 1940 y 1950, aunque el término también se usó para describir el trabajo de artistas anteriores como Wassily Kandinsky. Este estilo artístico toma la espontaneidad del surrealismo y lo imbuye del persistente trauma oscuro del período de posguerra.
Jackson Pollock fue un líder en el movimiento, y sus pinturas de goteo destacaron la creación espontánea y la aplicación de la pintura gestual que definió el género.
El término “Expresionismo abstracto”, aunque estrechamente asociado con la obra de Pollock, no se limita a un estilo en particular. Obras tan diversas como las pinturas figurativas de Willem de Kooning y los campos de color de Mark Rothko entran en la categoría de expresionismo abstracto.
Artistas notables: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Clyfford Steele, Mark Rothko
Obra icónica: “Autumn Rhythm” de Jackson Pollock (n.º 30)
17, arte pop
Lata de sopa Campbell de Andy Warhol
El Pop Art surgió en la década de 1950 como un movimiento clave que anunció el comienzo del arte contemporáneo. Este estilo de posguerra apareció en el Reino Unido y los EE. UU., incluidas imágenes de anuncios, cómics y objetos cotidianos. El arte pop es a menudo irónico, enfatizando elementos banales de bienes comunes y, a menudo, se considera una reacción a los elementos subliminales del expresionismo abstracto.
El trabajo audaz y vibrante de Roy Lichtenstein es un gran ejemplo de cómo la parodia y la cultura pop se pueden combinar con las bellas artes para hacer que el arte sea accesible. La figura más famosa del arte pop, Andy Warhol, ayudó a impulsar el concepto revolucionario del arte de producción en masa, creando muchas de sus populares series de serigrafía.
Artistas notables: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns
Obra icónica: La lata de sopa Campbell de Andy Warhol (1962)
18, Arte de instalación
"Almas a un millón de años luz de distancia" de Yayoi Kusama
A mediados del siglo XX, los artistas de vanguardia europeos y estadounidenses comenzaron a crear arte de instalación. Las instalaciones son estructuras tridimensionales que interactúan con el espacio para atraer a los espectadores. A menudo a gran escala y específicas del sitio, estas obras de arte transforman museos, galerías e incluso lugares al aire libre en entornos inmersivos.
Inspirado en el readymade dadaísta de Marcel Duchamp (una serie de objetos ready-made colocados en escultura), este importante género fue iniciado por maestros modernos como Yayoi Kusama y Louise Bourgeois.
Hoy en día, el artista contemporáneo continúa su práctica, creando instalaciones experimentales utilizando medios como cuerda, papel y flores.
Artistas notables: Yayoi Kusama, Louise Bourgeois, Damien Hirst
Obra icónica: The Mirror Room de Yayoi Kusama
19, realismo
Sin título de Igar Ozeri, 2012.
El realismo es un estilo artístico que se centra en la capacidad técnica para sorprender a la audiencia. Fue principalmente un movimiento artístico estadounidense que cobró impulso a finales de los años 1960 y 1970 como reacción al expresionismo abstracto.
Aquí, los artistas se preocupan principalmente por replicar una fotografía lo mejor que pueden, planificando cuidadosamente su trabajo con gran efecto y evitando la espontaneidad que es el sello distintivo del expresionismo abstracto. Al igual que el arte pop, el realismo generalmente se enfoca en imágenes asociadas con la cultura de consumo.
Si bien el realismo temprano estaba impregnado de nostalgia por los paisajes estadounidenses, más recientemente, el retrato realista se ha convertido en un tema más común. El hiperrealismo es el avance de un estilo artístico en el que la pintura y la escultura se ejecutan de tal manera que provocan una respuesta emocional notable, alcanzando un mayor nivel de realismo debido a los avances tecnológicos. Una cosa en común es que todas las obras deben partir de un punto de referencia fotográfico.
Artistas notables: Chuck Cross, Lal Goin, Igar Ozeri
Obra icónica: Sin título de Igar Ozeri
20, arte de cejas bajas
Encarnación de Mark Lydon
El arte low-brow, también conocido como Pop Surrealism, es un movimiento artístico que se originó en la escena underground de California en la década de 1970. Tradicionalmente excluido del mundo de las bellas artes, el arte vulgar pasó de las obras de arte pintadas a los juguetes, el arte digital y la escultura.
El género también tiene raíces en los cómics clandestinos, la música punk y la cultura del surf, y los artistas no buscan la aprobación de las galerías convencionales. Al combinar imágenes surrealistas con toques de color o figuras, los artistas lograron efectos de ensueño que a menudo se plasmaron en temas eróticos o satíricos.
El auge de revistas como Juxtapoz y Hi-Fructose brindó un foro para que artistas de bajo perfil mostraran su trabajo fuera de los principales medios de arte contemporáneo.
Artistas notables: Mark Lydon, Ray Caesar, Audrey Kawasaki
Obra icónica: “El Avatar” de Mark Ryden
Además, el arte cinético representado por Victory Red de Alexander Calder también tuvo un profundo impacto en la historia de la transformación visual humana.
El movimiento de arte aparentemente contemporáneo tuvo su origen en el impresionismo cuando los artistas comenzaron a tratar de expresar el movimiento en su arte. A principios del siglo XX, los artistas comenzaron a experimentar más con el arte cinético, impulsados por máquinas escultóricas y teléfonos celulares.
Los artistas rusos Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko fueron los primeros creadores del escultural teléfono móvil, que luego fue perfeccionado por Alexander Calder.
En términos contemporáneos, el arte cinético incluye esculturas e instalaciones donde el movimiento es la consideración principal. El artista estadounidense Anthony Howe es una figura destacada del movimiento contemporáneo y utiliza el diseño asistido por computadora para sus esculturas de viento a gran escala.
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