Las 15 pinturas más famosas de Gustav Klimt

Gustav Klimt (14 de julio de 1862-6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco y uno de los miembros más destacados del movimiento secesionista vienés.

Klimt es famoso por sus pinturas, murales, dibujos y otras obras de arte. Su tema principal es el cuerpo femenino, y sus obras están marcadas por la franca pornografía. La temática de sus obras es muy amplia, incluyendo alegorías, retratos, paisajes y arquitectura.

Aunque su genio creativo siempre ha sido controvertido, sus obras han sido buscadas por las generaciones posteriores, lo que se refleja en los precios de subasta cada vez mayores y una serie de exposiciones de arte inmersivas, ya sea en el número de exposiciones o en el número de visitantes. Todos establecieron nuevos máximos repetidamente.

Gustav Klimt es uno de los elementos simbólicos de Austria, especialmente en Viena, donde la ciudad está llena de souvenirs personalizados de artistas.

Luego de estudiar sólidamente la vida artística y obra de Gustav Klimt, el equipo de TALMUD produjo una serie de videos y apreciación de obras.

También hemos cooperado con mayoristas de souvenirs en algunos países europeos, incluida Austria, para desarrollar una serie de souvenirs personalizados para artistas. Espero obtener su aprobación.

1, las tres etapas de una mujer

Las tres etapas de una mujer de Gustav Klimt

Las tres etapas de una mujer

Esta obra fue creada por Gustav Klimt en 1905, también conocida como “Madre e Hijo”. Representa las tres etapas principales de la vida de una mujer: infancia, maternidad y vejez. Otra característica de esta pintura es que es la primera pintura al óleo a gran escala del artista.

En el lado derecho del lienzo está la madre del niño, que representa la belleza y el amor de la maternidad y la asombrosa vitalidad de la infancia. La madre abraza a su bebé en un abrazo cálido y seguro, brindándole amor incondicional. Bajo el fuerte amor maternal, el rostro del niño dormido se llenó de una expresión satisfecha.

El lado izquierdo del lienzo muestra la última etapa de la vida de una mujer; Klimt la retrató como una anciana cansada, anunciando que está desapareciendo gradualmente. Se cubrió el rostro con las manos, dando a entender que había pasado por las vicisitudes de la vida, y el fondo marrón áspero simbolizaba la tierra, mostrando que estaba a punto de enfrentar la muerte.

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En “Las tres etapas de la mujer”, Klimt utiliza técnicas simbólicas para condensar las tres etapas de la vida de una mujer: infancia, juventud y vejez en una sola pintura.

Esta trilogía irreversible de la vida muestra Fuera del sentimentalismo del pintor hacia el destino. Klimt es bueno esculpiendo personajes con concreto y realismo y decorando el ambiente y la ropa con patrones para lograr una belleza armoniosa y unificada de diversos cambios.

La composición de este cuadro se asemeja a una cruz, con un gran color negro en la parte superior, que puede ser una metáfora del horror a la muerte. Expresa el concepto del artista sobre la vida y la muerte.

2, Retrato de Adele Bloch Bauer I

Retrato de Adele Bloch Bauer I de Gustav Klimt

Retrato de Adele Bloch Bauer I

Gustav Klimt pintó el retrato de Adele Bloch-Bauer I (también conocida como “Dama Dorada” o “Mujer Dorada”) en 1903. La pintura se completó entre 1907 y 1908.

Este es el retrato más icónico del período dorado de Klimt y fue encargado por Ferdinand Bloch-Bauer, un banquero judío y fabricante de azúcar.

Klimt creó dos retratos para Adele, siendo este el primero. La segunda pintura se completó en 1912. Estas también son dos obras clásicas entre las muchas obras de Klimt propiedad de la familia Adele.

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Según informes noticiosos, la pintura fue subastada por Ronald Lauder por un precio altísimo de 135 millones de dólares en junio de 2006 y se reunió en su nueva galería de arte en la ciudad de Nueva York.

Esto convierte a “Retrato de Eddie One” en la pintura histórica más cara. “Retrato de Eddie No. 1” se exhibe en la galería desde julio de 2006.

3, El beso

El beso de Gustav Klimt

El beso

“El Beso” es una de las pinturas representativas del pintor simbolista austriaco Gustav Klimt. Fue una obra que creó durante la edad de oro, durante la cual a menudo usaba pan de oro para pintar.

“El Beso” es una pintura cuadrada que muestra a una pareja de amantes abrazándose, con sus cuerpos entrelazados en túnicas. Este método de expresión también estuvo influenciado por los movimientos Art Nouveau y Arts and Crafts del mismo período. Cubrió pinturas al óleo tradicionales con pan de oro para hacerlas más modernas.

“El Beso” es una obra representativa del simbolismo y la obra más popular de Gustav Klimt. “El beso” se encuentra actualmente en el Museo de Arte Belvedere de Viena y es ampliamente considerado como un clásico de principios del siglo XX.

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“El Beso” ocupa un lugar importante en la historia del arte mundial. También es uno de los elementos más reconocibles de Austria.
Cuando camines por las calles de Austria, las tiendas de souvenirs, grandes y pequeñas, tendrán todo tipo de souvenirs, con esta famosa pintura como concepto de diseño.
Incluso en algunas tiendas de souvenirs emblemáticas, puedes ver souvenirs personalizados de “El Beso” expuestos en una pared. ¡Este tipo de mobiliario es espectacular!

4, pez dorado

Pez dorado de Gustav Klimt

Pez de colores

"Goldfish", también conocido como "A mis críticos".

Klimt colocó en la pantalla a tres mujeres desnudas con diferentes miradas. La mujer rubia de arriba a la derecha estaba con el torso desnudo y una sonrisa alegre; arriba a la izquierda La mujer de cabello negro le dio la espalda al público, mostrando la espalda femenina bien proporcionada; la mujer pelirroja desnuda en la parte inferior izquierda mostró sus nalgas regordetas y miró a las personas con ojos sexys.

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Abridor de peces dorados

Obviamente, Klimt utilizó esta pintura para defenderse de algunas críticas externas. Aunque el artista originalmente lo llamó "para mis críticos", Klimt luego cambió el título a Goldfish cuando exhibió la obra en la Exposición de la Secesión en 1903 por sugerencia de su amigo.

Aunque el título ha cambiado, la historia permanece en la historia del arte. Quizás esto no sea sorprendente porque la mujer sonriente, innegablemente y provocativamente, giró su trasero hacia el público.

Algunos animales aparecen a menudo en las obras de Klimt. Estos pájaros y bestias no son decoraciones aleatorias sino que materializan los pensamientos creativos del artista.

5, serpiente de agua II

Serpiente de agua II de Gustav Klimt

Serpiente de agua II

“Water Snake II” es una composición horizontal, y también es una composición decorativa casi abstracta.

Estas dos series de “Serpientes de agua” muestran la tendencia de Klimt a perseguir la rareza, la deformidad y la pornografía en sus últimos años de creación.

En esto influyó su amigo, el famoso psicoanalista y psiquiatra Freud.

La época de creación de esta serie de pinturas fue durante la Primera Guerra Mundial. Debido al impacto de la guerra y la depresión económica en Austria, la vida de Klimt también fue bastante difícil.

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Esta pintura al óleo de Gustav Klimt, como Serpientes de agua I, representa el cuerpo femenino y la relación entre personas del mismo sexo.

Esta pintura tiene una rica historia histórica. Los nazis lo robaron durante la Segunda Guerra Mundial. Recientemente, debido a sus ventas récord en 2013, se le conoce como el centro de disputas.

A fines de 2019, era la sexta pintura más cara del mundo y la más cara de las obras de Klimt.

6, Dánae

Danae de Gustav Klimt

Danae

“Danaë” es la hija de Akrisius, el rey de Helgos en la mitología griega.

Este tema ha sido pintado por maestros como Tiziano y Rembrandt. Las imágenes de Danae creadas por diferentes épocas y diferentes pintores son diferentes.

La imagen de Klimt, acurrucada en un marco cuadrado y rodeada de varios estampados, es muy especial. Con un enfoque realista, partiendo del concepto estético de la gente moderna, representa un cuerpo regordete lleno de atractivo sexy. La chica desnuda muestra una especie de depresión y deseo subconsciente.

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Esta pintura es un representante típico del erotismo estilizado de Klimt y representa el tema de Dánae, que siempre ha sido un tema popular en toda la pintura. Danae es un símbolo de amor divino, trascendencia y belleza sensacional.

El artista utiliza las piernas levantadas en esta pintura para colocar al modelo como un homenaje a la serie de pinturas de Tiziano del mismo nombre.

7, el abrazo

El abrazo de Gustav Klimt

El abrazo

Esta pintura fue creada en 1894. Es una de las tres pinturas encargadas por el famoso pintor simbolista austriaco Gustav Klimt para decorar el techo del Salón Universitario.

El artista presenta la tradicional imagen alegórica del simbolismo de una manera nueva, más franca y sexy. Esta audaz innovación también ha provocado muchos comentarios contradictorios, por lo que esta obra nunca ha aparecido en el techo del Gran Salón.

Después de tres cuadros, Gustav Klimt creó el llamado “friso de Beethoven” para celebrar el cumpleaños de este gran compositor. El artista diseñó especialmente un friso para la exposición, por lo que fue pintado directamente sobre la pared.

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“El Abrazo” es el tema de la última parte del “friso de Beethoven” de los Ángeles del Cielo, antes del famoso “El Beso”. Los tres pares son muy similares. La espalda del hombre se vuelve hacia el público, protegiendo el cuerpo de la amante y mostrándonos su rostro apasionado. En las tres variantes, el macho está inclinado para nivelar su cabeza con la de la hembra.

Las tres obras se caracterizan por un par de fondos relativamente dorados que forman imágenes contrastantes, mostrando patrones o colores variados, lo que muestra nuestro amor terrenal por lo ordinario. El artista contrasta el cuadrado o rectángulo con el círculo y espirales en su creación. Sin duda, esto es para ilustrar la diferencia entre masculinidad y feminidad.

8, dama con ventilador

Dama con abanico de Gustav Klimt

Dama con abanico

Como una de las últimas obras del famoso artista vienés, la fecha de finalización de esta pintura es 1918, el año en que murió Klimt.

Los colores y decoraciones de Lady With Fan crean un ambiente relajado; su rostro está radiante, sus hombros desnudos son curvos y está bellamente adornada con un vestido.

Lady With Fan refleja la influencia del japonés en el arte moderno y su fondo imita la impresión en madera japonesa. También refleja el estilo único de Klimt, el estudio de imágenes femeninas.

Los estudiosos de la investigación creen que después de establecer el movimiento artístico de vanguardia Vienna Secession, Klimt incorporó audazmente algo de emoción y pasión en sus obras. Esta tendencia se produjo a principios del siglo XX.

El fondo amarillo de Lady With Fan es una herencia de las pinturas de la época dorada de Klimt, como El beso. Los coloridos pájaros, flores y enredaderas reflejan el audaz uso de colores y decoraciones por parte del artista.

La falda de la dama y el abanico en su mano también tienen hermosos diseños. Con los vivos elementos decorativos de esta pintura, Klimt cruzó los límites entre las bellas artes y la artesanía.

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En la tendencia de las exposiciones de arte inmersivo en los últimos años, las obras de Klimt han sido muy bien recibidas en todo el mundo. Este es también el mayor respeto por este artista austriaco.

Gracias a sus pinturas, Lady With Fan inspiró el movimiento de artes y oficios a principios del siglo XX. Este movimiento abarcó la arquitectura, los textiles, el diseño de interiores e incluso la fabricación de joyas, llevando las artesanías decorativas al escenario mundial.

Lady With Fan resume a la perfección el estilo creativo de toda la vida del artista. Combina piedad y erotismo, arte y decoración, y es un gran homenaje a la herencia artística de un pintor apasionado, aventurero y pionero.

9, novia

Novia de Gustav Klimt

Novia 

En 1918, Klimt, de 55 años, sufrió un derrame cerebral. Unas semanas más tarde, murió en un hospital de neumonía. “La novia” es una de las pinturas inacabadas del artista.

Este retrato es especial porque es una de las pinturas más expresionistas de Gustav Klimt. El artista trabajó directamente sobre el lienzo desnudo sin utilizar imprimación.

La novia reveló un secreto, que también se puede encontrar en algunos de los dibujos de preparación de Klimt: bajo la magnífica ropa de estas mujeres, Klimt imaginó sus figuras femeninas desnudas y con detalles anatómicos completos, incluido el vello púbico.

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Aunque Gustav Klimt también creó algunas pinturas de paisajes y arquitectura, las mujeres siempre han sido su tema importante. Fue sólo en su último período que encarnó más la representación de pura celebración y careció de algunos elementos oscuros y amenazantes.

Quizás el horror de la guerra hizo que este artista de renombre mundial cambiara sus métodos creativos.

10, Jardín de la cabaña con girasoles

Jardín de la cabaña con girasoles de Gustav Klimt

Jardín de la cabaña con girasoles

Cuando este artista, que sabe representar mujeres, cree paisajes y otras naturalezas muertas, ¿qué tipo de efecto tendrá?

El ritmo general de la finca jardín y girasoles creada en 1913 es sin duda alegre. Klimt adoptó un enfoque radical, utilizando líneas diagonales para conectar el primer plano y el fondo.

En contraste con Van GoghEn el famoso cuadro El girasol, el primer plano de Klimt se destaca y se considera especialmente significativo. Su materialidad se enfatiza y se representa con precisión en colores brillantes.

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Las flores de girasol están cuidadosamente integradas en el fondo de todo el cuadro. Aunque no hay una representación especial en primer plano, su belleza se magnifica en la ingeniosa simetría del delicado color, de modo que se compensa un prado verde.

11, muerte y vida

Muerte y vida de Gustav Klimt

Muerte y vida

“Muerte y vida” fue creada en 1908. Era un óleo sobre lienzo del pintor austriaco y no se completó hasta 1915.

Gustav Klimt creó esta obra en estilo Art Nouveau (moderno) utilizando el estilo de pintura alegórica del Siglo de Oro.

La vida y la muerte también son temas centrales en las creaciones de Klimt, además de las mujeres. Esto es similar a lo que hicieron sus contemporáneos, incluidos Edward Munch y Egon Schiele.

Pero a diferencia de Schiller, Klimt introdujo las notas de esperanza y reconciliación en la danza moderna, que él consideraba como la muerte. Sus humanos parecen ignorar la muerte, en lugar de sentirse amenazados por la imagen de la muerte.

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La imaginación y la creatividad del artista ya no se centran en la integración física sino en las expectativas previas. Tal vez esta tranquilidad recién descubierta tenga sus raíces en la propia percepción de Klimt sobre el envejecimiento y la muerte cercana.

La pintura mide 178 x 198 cm de largo y ahora se encuentra en el Museo Leopold de Viena.

12, esperanza II

Esperanza II de Gustav Klimt

Esperanza II

Hope II es una pintura creada por Gustav Klimt en 1907-08.

Es el segundo trabajo de Klimt centrado en mujeres embarazadas, y el personaje de la pintura es Herma, una de las modelos favoritas del artista.

El cuadro cuadrado mide 110.5 x 110.5 centímetros. Herma ocupa el tercio central del cuadro, con fondos moteados dorados más oscuros a ambos lados.

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En Hope II, lleva un vestido largo decorado con formas geométricas decoradas con obras de arte bizantinas en forma de pan de oro, con colores intensos y patrones ricos.

Tiene el pelo largo y castaño, los ojos cerrados y mira sus pechos desnudos y su abdomen hinchado.

En la pintura, una calavera descoordinada apareció frente a su ropa. A los pies del cuadro, las tres mujeres también inclinaban la cabeza como si estuvieran rezando o quizás de luto.

Hope II fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York en 1978.

13, Malcesine en el lago de Garda 1913

Malcesine en el lago de Garda 1913 de Gustav Klimt

Malcesine en el lago de Garda 1913

Esta pintura fue creada en 1913. Fue creada cuando Gustav Klimt y su familia visitaron el lago de Garda de vacaciones. También son las pocas obras del artista sobre paisajes urbanos.

El tamaño de este cuadro es de 110x110cm. Es una pintura al óleo creada por el artista directamente sobre el lienzo. Pertenece al paisaje de paisaje y jardín del artista y pertenece al estilo Art Nouveau.

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Klimt es uno de los pintores más populares de nuestro tiempo. Sus obras nos siguen fascinando. La mayoría de las obras del artista son retratos de damas vienesas de alto rango, especialmente aquellas pertenecientes a familias judías adineradas.

14, el árbol de la vida

El árbol de la vida de Gustav Klimt

El arbol de la Vida

Si eliges un par de palabras comparables a El beso, debe ser “El árbol de la vida” en la obra de Gustav Klimt.

Esta obra tiene muchos significados simbólicos y sintetiza teología, filosofía y mitología. Simboliza la conexión entre el cielo, la tierra y el inframundo.

Para los admiradores de Klimt, este mural tiene otro significado. Es la única obra de temática paisajística creada por el artista durante su época dorada. Aunque también utiliza técnicas de pintura al óleo y laca dorada, también es una obra. Un ambiente artístico de lujo.

Gustav Klimt trató de interpretar la gran vitalidad de El árbol de la vida de una manera audaz y novedosa. Las ramas giratorias crean un significado simbólico fabuloso, lo que implica la eternidad de la vida.

Las ramas del Árbol de la Vida se extienden hacia el cielo y echan raíces bajo tierra, creando una conexión entre el cielo y la tierra. Este concepto se utiliza a menudo para explicar el Árbol de la Vida en muchas culturas, religiones e ideologías.

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El Árbol de la Vida representado por el artista también crea otra conexión con el inframundo, simbolizando el determinismo último que rige a cualquier ser vivo, a saber, el nacimiento, el crecimiento y el regreso a la tierra.

Aunque el artista usa la creatividad del genio para representar un mundo mágico, la presencia de un mirlo atrae a la audiencia hacia el centro de la pintura. Parece usar mirlos para recordarle a la gente todo el tiempo que todo tiene un principio y un final.

Por tanto, El árbol de la vida es una de las obras más conocidas de la carrera de Gustav Klimt.

15, dos amigas

Dos amigas de Gustav Klimt

dos amigas

La apropiación de decoraciones orientales por parte de Klimt alcanzó su punto máximo alrededor de 1917, como lo demuestran pinturas como "Dos amigas".

La túnica naranja, el papel tapiz rosa y la carne de color rosa de “Two Women Friends” usan las mismas pinceladas mantecosas. De esta manera, el tema de toda la obra es muy real.

Esta obra, al igual que “Serpiente de agua” de 1904, describe el tema del lesbianismo, pero es más tierno, aunque se mezcla con algunos rasgos eróticos.

Como la mayoría de las obras posteriores de Klimt, esta pintura trata en parte sobre el espacio y las diversas ilusiones creadas por el arte para lidiar con él.

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Uno está vestido y el otro desnudo. El fénix de la izquierda simboliza el renacimiento, y el cuervo y el cisne de la derecha presagian una inevitable mala suerte.

Por lo tanto, la obra de Two Women Friends también tiene el significado simbólico del eterno dilema de la humanidad.

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