Gustav Klimt (14 de julio de 1862-6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco y uno de los miembros más destacados del movimiento secesionista vienés.
Klimt es famoso por sus pinturas, murales, dibujos y otras obras de arte. El tema principal de Klimt es el cuerpo femenino, y sus obras están marcadas por una franca pornografía. La temática de sus obras es muy amplia, incluyendo alegorías, retratos, paisajes y arquitectura.
Aunque su genio creativo siempre ha sido controvertido, sus obras han sido buscadas por generaciones posteriores, lo que se refleja en los precios de subasta cada vez mayores y una serie de exposiciones de arte inmersivas, ya sea por el número de exposiciones o por el número de visitantes. Todos establecieron nuevos máximos repetidamente.
Se puede decir que Gustav Klimt es uno de los elementos simbólicos de Austria, especialmente de Viena, donde toda la ciudad está llena de recuerdos personalizados de artistas.
Luego de un sólido estudio de la vida y obra artística de Gustav Klimt, el equipo de TALMUD produjo especialmente una serie de videos y apreciación de obras.
También hemos cooperado con mayoristas de souvenirs en algunos países europeos, incluida Austria, para desarrollar una serie de souvenirs personalizados para artistas. Espero obtener su aprobación.
Vídeo- Gustav Klimt
1, las tres etapas de una mujer
Las tres etapas de una mujer
Esta es una obra creada por Gustav Klimt en 1905, también conocida como “Madre e hijo”. Se considera que representa las tres etapas principales de la vida de una mujer: la infancia, la maternidad y la vejez. Otra característica de esta pintura es que es la primera pintura al óleo a gran escala del artista.
En el lado derecho del lienzo está la madre del niño, que representa la belleza y el amor de la maternidad y la asombrosa vitalidad de la infancia. La madre abraza a su bebé en un abrazo cálido y seguro, brindándole amor incondicional. Bajo el fuerte amor maternal, el rostro del niño dormido se llenó de una expresión satisfecha.
El lado izquierdo del lienzo muestra la última etapa de la vida de una mujer, Klimt optó por retratarla como una anciana cansada, presagiando que está desapareciendo gradualmente. Se cubrió la cara con las manos, dando a entender que había pasado por las vicisitudes de la vida, y el fondo marrón áspero simbolizaba la tierra, mostrando que estaba a punto de enfrentarse a la muerte.
Las tres etapas de un marco de fotos de mujer
En “Las tres etapas de la mujer”, Klimt utiliza técnicas simbólicas para condensar las tres etapas de la vida de una mujer: la infancia, la juventud y la vejez en una sola pintura.
Esta es una trilogía irreversible de la vida, que muestra a partir del sentimentalismo del pintor hacia el destino. Klimt es bueno para esculpir personajes con concreto y realismo y decorar el ambiente y la ropa con patrones para lograr una belleza armoniosa y unificada de diversos cambios.
La composición de esta pintura se asemeja a una cruz, con un gran color negro en la parte superior, que puede ser una metáfora del horror de la muerte, y expresa el concepto de vida y muerte del artista.
2, Retrato de Adele Bloch Bauer I
Retrato de Adele Bloch Bauer I
El retrato de Adele Bloch-Bauer I (también conocida como “Dama Dorada” o “Mujer Dorada”) fue de Gustav Klimt en 1903. Una pintura terminada entre 1907.
Este es el retrato más icónico del período dorado de Klimt y fue encargado por Ferdinand Bloch-Bauer, un banquero judío y fabricante de azúcar.
Klimt ha creado dos retratos para Adele, este es el primero. La segunda pintura se completó en 1912. Estas también son dos obras clásicas entre las muchas obras de Klimt propiedad de la familia Adele.
Bolsa de compras de recuerdo de Klimt
Según informes noticiosos, la pintura fue subastada por Ronald Lauder por un precio altísimo de 135 millones de dólares en junio de 2006 y se reunió en su nueva galería de arte en la ciudad de Nueva York.
Esto convierte a “Portrait of Eddie One” en la pintura más cara de la historia. “Portrait of Eddie No. 1” se exhibe en la galería desde julio de 2006.
3, el beso
El beso
“El Beso” es una de las pinturas representativas del pintor simbolista austriaco Gustav Klimt. Fue una obra que creó durante la edad de oro, durante la cual a menudo usaba pan de oro para pintar.
“El beso” es una pintura cuadrada que muestra a una pareja de amantes abrazándose, sus cuerpos entrelazados en túnicas. Este método de expresión también estuvo influenciado por los movimientos Art Nouveau y Arts and Crafts del mismo período. Cubrió las pinturas al óleo tradicionales con pan de oro para hacer las pinturas más modernas.
“El beso” es una obra representativa del simbolismo y la obra más popular de Gustav Klimt. “El beso” se encuentra actualmente en el Museo de Arte de Belvedere en Viena y es ampliamente considerado como un clásico de principios del siglo XX.
Pitilleras de Gustav Klimt
“El Beso” tiene un lugar importante en la historia del arte mundial. También es uno de los elementos más reconocibles de Austria.
Cuando caminas por las calles de Austria, tiendas de souvenirs grandes y pequeñas tendrán todo tipo de souvenirs, con esta famosa pintura como concepto de diseño.
Incluso en algunas tiendas insignia de souvenirs, se pueden ver souvenirs personalizados de “El Beso” expuestos en una pared. ¡Este tipo de mobiliario es espectacular!
4, pez dorado
Pez de colores
“Goldfish”, también conocido como “A mis críticos”.
Klimt colocó a tres mujeres desnudas con diferentes miradas en la pantalla. La mujer rubia en la parte superior derecha estaba con el torso desnudo y una sonrisa alegre; arriba a la izquierda La mujer de cabello negro dio la espalda a la audiencia, mostrando la bien proporcionada espalda femenina; la mujer desnuda pelirroja en la parte inferior izquierda mostró sus nalgas regordetas y miró a la gente con ojos sexys.
Abridor de peces dorados
Obviamente, Klimt usó esta pintura para luchar contra algunos críticos externos. Aunque el artista originalmente la llamó “para mis críticos”, Klimt luego cambió el título a Goldfish cuando exhibió la obra en la Exposición de la Secesión en 1903 por sugerencia de su amigo.
Aunque el título ha cambiado, todavía queda una historia en la historia del arte. Quizás esto no sea sorprendente, porque la mujer sonriente innegablemente y provocativamente giró su trasero hacia la audiencia.
Algunos animales aparecen a menudo en las obras de Klimt. Estos pájaros y bestias no son decoraciones al azar, sino que son una materialización de los pensamientos creativos del artista.
5, serpiente de agua II
Serpiente de agua II
“Water Snake II” es una composición horizontal, y también es una composición decorativa casi abstracta.
Estas dos series de "Serpientes de agua" muestran la tendencia de Klimt a perseguir la rareza, la deformidad y la pornografía en sus últimos años de creación.
Esto fue influenciado principalmente por su amigo, el famoso psicoanalista y psiquiatra Freud.
La época de creación de esta serie de pinturas fue durante la Primera Guerra Mundial. Debido al impacto de la guerra y la depresión económica en Austria, la vida de Klimt también fue bastante difícil.
Serpiente de agua II Mantel individual de MDF
Esta pintura al óleo de Gustav Klimt, como Serpientes de agua I, representa el cuerpo femenino y la relación entre personas del mismo sexo.
Esta pintura tiene una rica historia histórica. Fue robado por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Recientemente, debido a su récord de ventas en 2013, también es conocido como el centro de disputas.
A fines de 2019, era la sexta pintura más cara del mundo y la más cara de las obras de Klimt.
6, Dánae
Danae
“Danaë” es la hija de Akrisius, el rey de Helgos en la mitología griega.
Este tema ha sido pintado por maestros como Tiziano y Rembrandt. Las imágenes de Danae creadas por diferentes épocas y diferentes pintores son diferentes.
La imagen que creó Klimt, acurrucado en un marco cuadrado y rodeado de varios patrones, es muy especial. Con un enfoque realista, partiendo del concepto estético de la gente moderna, representa un cuerpo regordete lleno de encanto sexy. La chica desnuda muestra una especie de depresión y deseo subconsciente.
Posavasos de MDF Danae
Esta pintura es un representante típico del erotismo estilizado de Klimt, que representa el tema de Danae, que siempre ha sido un tema popular en toda la pintura. Danae es un símbolo de amor divino, trascendencia y belleza sensacional.
El artista utiliza las piernas levantadas en esta pintura para colocar al modelo como un homenaje a la serie de pinturas de Tiziano del mismo nombre.
7, el abrazo
El abrazo
Esta pintura fue creada en 1894. Es una de las tres pinturas encargadas por el famoso pintor simbolista austriaco Gustav Klimt para decorar el techo del Salón Universitario.
El artista presenta la imagen alegórica tradicional del simbolismo de una manera nueva, más franca y sexy. Esta audaz innovación también ha provocado muchos comentarios contradictorios, por lo que esta obra nunca ha aparecido en el techo del Gran Salón.
Después de tres cuadros, Gustav Klimt creó el llamado “friso de Beethoven” para celebrar el cumpleaños de este gran compositor. El artista diseñó especialmente un friso para la exposición, por lo que fue pintado directamente sobre la pared.
Imán Epoxi Gustav Klimt
“El Abrazo” es el tema de la última parte del “friso de Beethoven” de los Ángeles del Cielo, antes del famoso “El Beso”. Los tres pares son muy similares. La espalda del hombre se vuelve hacia el público, protegiendo el cuerpo de la amante y mostrándonos su rostro apasionado. En las tres variantes, el macho está inclinado para que su cabeza esté al nivel de la hembra.
Las tres obras se caracterizan por un par de fondos relativamente dorados que forman imágenes contrastantes, mostrando patrones o colores variados, lo que muestra nuestro amor terrenal por lo ordinario. El artista contrasta el cuadrado o rectángulo con el círculo y la espiral en su creación. Esto es, sin duda, para ilustrar la diferencia entre la masculinidad y la feminidad.
8, dama con ventilador
Dama con abanico
Como una de las últimas obras del famoso artista vienés, la fecha de finalización de esta pintura es 1918, el año en que murió Klimt.
Los colores y las decoraciones de Lady With Fan crean una atmósfera relajada, su rostro es radiante, sus hombros desnudos están curvados y está bellamente decorada con un vestido.
Lady With Fan refleja la influencia del japonés en el arte moderno, y su fondo imita la xilografía japonesa. También refleja el estilo único de Klimt, es decir, el estudio de las imágenes femeninas.
Los estudiosos de la investigación creen que después de establecer el movimiento artístico de vanguardia Vienna Secession, Klimt incorporó audazmente algo de emoción y pasión en sus obras. Esta tendencia se produjo a principios del siglo XX.
El fondo amarillo de Lady With Fan es una herencia de las pinturas de la época dorada de Klimt, como El beso. Los coloridos pájaros, flores y enredaderas reflejan el audaz uso de colores y decoraciones por parte del artista.
La falda de la dama y el abanico en su mano también tienen hermosos diseños. Con los vivos elementos decorativos de esta pintura, Klimt cruzó los límites entre las bellas artes y la artesanía.
Dama con abanico Póster
En la tendencia de las exposiciones de arte inmersivo en los últimos años, las obras de Klimt han sido muy bien recibidas en todo el mundo. Este es también el mayor respeto por este artista austriaco.
Gracias a sus pinturas, Lady With Fan inspiró el movimiento de artes y oficios a principios del siglo XX. Este movimiento abarcó la arquitectura, los textiles, el diseño de interiores e incluso la fabricación de joyas, llevando las artesanías decorativas al escenario mundial.
Lady With Fan es el resumen perfecto del estilo creativo de toda la vida de la artista. Combina piedad y erotismo, arte y decoración, y es un gran homenaje a la herencia artística de un pintor apasionado, aventurero y pionero.
9, novia
Novia
En 1918, Klimt, de 55 años, sufrió un derrame cerebral. Unas semanas más tarde, murió en un hospital de neumonía. “La novia” es una de las pinturas inacabadas del artista.
Lo especial de este retrato es que es una de las pinturas más expresionistas de Gustav Klimt. El artista trabajó directamente sobre el lienzo desnudo sin usar imprimación.
La novia reveló un secreto, que también se puede encontrar en algunos de los dibujos de preparación de Klimt: debajo de la hermosa ropa de estas mujeres, Klimt imaginó sus figuras femeninas desnudas y con detalles anatómicos completos, e incluso vello púbico incluido.
Bolsa de novia
Aunque Gustav Klimt también creó algunas pinturas de paisajes y arquitectura, las mujeres siempre han sido su tema importante. Fue solo en su último período que encarnó más la representación de la celebración pura y careció de algunos elementos oscuros y amenazantes.
Quizás fue el horror de la guerra lo que hizo que este artista de renombre mundial cambiara sus métodos creativos.
10, Jardín de la cabaña con girasoles
Jardín de la cabaña con girasoles
Este artista que es bueno representando mujeres, cuando crea paisajes y otras naturalezas muertas, ¿qué tipo de efecto tendrá?
El ritmo general de la finca jardín y girasoles creada en 1913 es sin duda alegre. Klimt adoptó un enfoque radical, utilizando líneas diagonales para conectar el primer plano y el fondo.
En contraste con Van GoghEl famoso cuadro Sunflower de Klimt, el primer plano en la pintura de Klimt se destaca y se considera particularmente significativo, y su materialidad se enfatiza y se representa con precisión en colores brillantes.
Matrícula de Gustav Klimt
Las flores de girasol se integran en el fondo de toda la pintura de manera reflexiva. Aunque no hay una representación especial de primer plano, su belleza se magnifica en la ingeniosa simetría del color delicado, por lo que se compensa con un prado verde.
11, muerte y vida
Muerte y vida
“Muerte y vida” fue creada en 1908. Era un óleo sobre lienzo del pintor austriaco y no se completó hasta 1915.
Gustav Klimt creó esta obra en estilo Art Nouveau (Moderno) utilizando el estilo de pintura alegórica de la edad de oro.
Además de las mujeres, la vida y la muerte también son temas centrales de las creaciones de Klimt. Esto es similar a sus contemporáneos, incluidos Edward Munch y Egon Schiele.
Pero a diferencia de Schiller, Klimt introdujo las notas de esperanza y reconciliación en la danza moderna, que él consideraba como la muerte. Sus humanos parecen ignorar la muerte, en lugar de sentirse amenazados por la imagen de la muerte.
Posavasos de muerte y vida
La imaginación y la creatividad del artista ya no se centran en la integración física sino en las expectativas previas. Tal vez esta tranquilidad recién descubierta tenga sus raíces en la propia percepción de Klimt sobre el envejecimiento y la muerte cercana.
La pintura mide 178 x 198 cm de largo y ahora se encuentra en el Museo Leopold de Viena.
12, esperanza II
Esperanza II
Hope II es una pintura creada por Gustav Klimt en 1907-08.
Es el segundo trabajo de Klimt centrado en mujeres embarazadas, y el personaje de la pintura es Herma, una de las modelos favoritas del artista.
El cuadro cuadrado mide 110.5 x 110.5 centímetros. Herma ocupa el tercio central del cuadro, con fondos moteados dorados más oscuros a ambos lados.
Recuerdo de Hope II Póster
En Hope II, usa un vestido largo decorado con formas geométricas, decorado con obras de arte bizantinas con forma de pan de oro, con colores ricos y patrones ricos.
Tiene el pelo largo y castaño, los ojos cerrados y se miró los pechos desnudos y el abdomen hinchado.
En la pintura, una calavera descoordinada apareció frente a su ropa. A los pies del cuadro, las tres mujeres también bajaron la cabeza, como si estuvieran rezando, o tal vez de luto.
Hope II fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York en 1978.
13, Malcesine en el lago de Garda 1913
Malcesine en el lago de Garda 1913
Esta pintura fue creada en 1913. Fue creada cuando Gustav Klimt y su familia fueron de vacaciones al lago de Garda. Se trata también de las pocas obras del artista sobre paisajes urbanos.
El tamaño de este cuadro es de 110x110cm. Es una pintura al óleo creada por el artista directamente sobre el lienzo. Pertenece al paisaje de paisaje y jardín del artista y pertenece al estilo Art Nouveau.
Taza de recuerdo de Gustav Klimt
Klimt es uno de los pintores más populares de nuestro tiempo. Sus obras nos siguen fascinando. La mayoría de las obras del artista son retratos de damas vienesas de alto rango, especialmente aquellas pertenecientes a familias judías adineradas.
14, el árbol de la vida
El arbol de la Vida
Si elige un par de palabras que sean comparables con El beso, debe ser “El árbol de la vida” en la obra de Gustav Klimt.
Esta obra tiene muchos significados simbólicos y es una síntesis de teología, filosofía y mitología. Simboliza la conexión entre el cielo y la tierra y el inframundo.
Para los admiradores de Klimt, este mural tiene otro significado. Es la única obra de temática paisajística creada por el artista durante su época dorada. Aunque también utiliza técnicas de pintura al óleo y laca dorada, también es una obra. Un ambiente artístico de lujo.
Gustav Klimt trató de interpretar la gran vitalidad de El árbol de la vida de una manera audaz y novedosa. Las ramas giratorias crean un significado simbólico fabuloso, lo que implica la eternidad de la vida.
Las ramas del Árbol de la Vida se extienden hasta el cielo y echan raíces bajo tierra, creando una conexión entre el cielo y la tierra. Este concepto se usa a menudo para explicar el concepto del Árbol de la Vida en muchas culturas, religiones e ideologías.
Imán Epoxi Gustav Klimt
El Árbol de la Vida representado por el artista también crea otra conexión con el inframundo, simbolizando el determinismo último que rige a cualquier ser vivo, a saber, el nacimiento, el crecimiento y el regreso a la tierra.
Aunque el artista usa la creatividad del genio para representar un mundo mágico, la presencia de un mirlo atrae a la audiencia hacia el centro de la pintura. Parece usar mirlos para recordarle a la gente todo el tiempo que todo tiene un principio y un final.
Por tanto, El árbol de la vida es una de las obras más conocidas de la carrera de Gustav Klimt.
15, dos amigas
dos amigas
La apropiación de Klimt de las decoraciones orientales alcanzó su punto máximo alrededor de 1917, como pinturas como “Dos amigas”.
La túnica naranja, el papel tapiz rosa y la carne de color rosa de “Two Women Friends” usan las mismas pinceladas mantecosas. De esta manera, el tema de toda la obra es muy real.
Esta obra, al igual que “Serpiente de agua” de 1904, describe el tema del lesbianismo, pero es más tierno, aunque se mezcla con algunos rasgos eróticos.
Como la mayoría de las obras posteriores de Klimt, esta pintura trata en parte sobre el espacio y las diversas ilusiones creadas por el arte para lidiar con él.
Cartel acrílico de Gustav Klimt
Uno está vestido y el otro está desnudo. El ave fénix de la izquierda simboliza el renacimiento y el cuervo y el cisne de la derecha presagian inevitable mala suerte.
Por lo tanto, la obra de Two Women Friends también tiene el significado simbólico del eterno dilema de la humanidad.
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Video- Recuerdos de Gustav Klimt